En el Museo de la Universidad Nacional de Bogotá se encuentra en la entrada una frase de su autor que dice: El museo es una escuela: el artista aprende a comunicarse; el público aprende a hacer conexiones que es el comienzo de la exposición de Luis Camnitzer, cuyo título es Luis Camnitzer y muchas de las obras son solo la firma de Luis Camnitzer. Las obras hacen parte de la colección Daros Latinoamérica, que es un espectacular esfuerzo suizo de Zurich que se ha interesado en coleccionar piezas representativas de artistas de la vanguardia.
De Luis Camnitzer trajeron obras desde 1966 hasta nuestros días, donde uno se acerca al arte conceptual con sus ejemplos y malabares intelectuales porque lo importante en este mundo es la idea que se representa con palabras a los objetos. Este abismo de percepción, le permite al espectador llenar los vacíos con sus propias interpretaciones. La palabra toma el espacio que el objeto designa. El ser humano se encuentra definido por las características taxonómicas de la lingüística. La palabra es el hombre y sus circunstancias.
Luis Camnitzer siempre ha dado la impresión que es un uruguayo que mueve como pez en el agua hasta en las bienales de Whitney en Nueva York que son exclusivas para norteamericanos. Nació en Lubeck Alemania en 1937, sus padres se trasladaron a Montevideo en 1938 y en 1964, llegó a vivir para quedarse en Nueva York. A ser artista y profesor.
El ejemplo perfecto de su trabajo conceptual se encuentra en la sala número dos del museo donde solo palabras interpretan la distribución de una biblioteca de una casa urbana. Allí se describen los elementos. El marco de la puerta dice marco, el interruptor, interruptor y así sucesivamente. Hay tres ventanas donde nos describen la vista arborizada desde donde se entiende que da a una calle con carros, la biblioteca de siete estanterías de libros los describe solamente como volúmenes (que resulta una interesante idea abstracta), la alfombra en la mitad tiene lugar, como también los flecos que son letras. La silla está en una esquina y el sofá que, según cada cual, puede ser cualquier sofá.
La exposición nos muestra más de 40 años de trabajo y son un conjunto de obras que no muestran un desarrollo o una evolución sino más bien una preocupación filosófica por ser coherente. En algún momento del recorrido quedamos atrapados en la repetición de su nombre, de su firma y de sus autorretratos, que se convierte en una experiencia agobiante y egocéntrica.
Landscape as an attitude, 1979.
Pero también hay obras que estimulan, como las raíces de un árbol de lápices donde el artista lo termina en la ilustración de un dibujo en la pared donde salen las ramas del árbol seco o, un libro de las Memorias del agua donde el libro simula tener agua en vez de letras. O, el concepto de la conquista española con cuchillos que salen de la pared y que llevan en nombre de las embarcaciones de Colón y como aspecto fálico, les cuelga a las tres supuestas embarcaciones, dos bolas plateadas de navidad.
Como también lo realizó en brasilero Rubens Gerchman en su época temprana en la misma ciudad, la idea de algodón como nube hace también parte de su repertorio. O la pared que pinta un rectángulo de color y donde pega la factura del costo por $324.800 pesos. Pero así de escueta y depredadora es la sentencia sobre la función de la pintura, hay una foto poética de una cara donde cabe todo un paisaje.
También existe el trabajo que ha sido emblema en muchas de sus exposiciones desde hace muchos años. Un letrero callejero que dice:
Esto es un espejo
Usted es una
Frase escrita.
Diga usted el resto.....
Esto es un espejo. Usted es una frase escrita, 1966.
